とんでもなく雄雄しい日記のタイトル名になってしまって、一人で恐縮するという事態に陥っているのだが、内容自体は大したことが無く、ただ単にここ一週間ほど集中して現代小説のみを読み続けてみる、という試みをしたので、それに関する感想みたいなものを書いておこうというだけである。つまり非常に淡白な様で濃厚な、さらっと短く書き流す読書感想文といったところであろうか。
んで、どういったモノを読んだかというのを読んだ順に羅列していくと、川上弘美の『神様』、桜庭一樹の『青年のための読書クラブ』、吉田篤弘の『つむじ風食堂の夜』、町田康の『くっすん大黒』、池澤夏樹の『南の島のティオ』、で、ここでちょっと食傷気味になってきて澁澤龍彦の『少女コレクション序説』を挟んで、また現代小説に戻り西尾維新の『きみとぼくの壊れた世界』、そして今さっき佐藤多佳子の『黄色い目の魚』を読了、という感じ。一応ここで僕の中の「現代小説週間」は一旦終わりってことになる。これだけ連続して現代小説ばかり読んだのは初めてじゃないだろうか。というか連続してフィクションばかり読んだのもひさしぶりな気がする。まあとりあえずポンポンッと感想を述べていく。
川上弘美はかなり良い。「フェミニンな内田百�痢廚箸いι章世發△覆�ち外れていない。幻想的な世界観と醒めた感覚、現実と非現実の自由な交通、この何とも言い難い現代的な幻想文学にはかなり惹かれてしまうところがある。夢の続きを永遠に見ている感じ、というか。
桜庭一樹はライトノベル上がりの作家で、まあそんなに優れている、という感じではなかった。「本をよく読んでいるライトノベル作家の書いたもの」という感じで、読後もそんなに残らない。「非常にキュート」というよく分からん感想も見かけるが、そういう感じもしないし・・・三浦しをんの方が良く書けているし、面白いという感想。
吉田篤弘は・・・これは感想の持ちようが無い。なんというか、雰囲気を読む小説、という感じだろうか。というかこれは小説かどうかすら怪しい。
町田康は初めて読んだのだが、これは面白い。現代的な描写なのだが、非常に古典的なイメージを喚起する。独特の口語体による文章は読みにくいようで妙に入ってくる。上手いなぁと感じる。だいぶ前に買った『パンク侍、斬られて候』をまだ読んでいないという事実が目の前に転がっているのだが、また近いうちに読もう。
池澤夏樹は最近非常に好きになった作家なのだが、この『南の島のティオ』という作品は、一応括りは児童文学らしい。しかし簡素な文体に潜む深い意味、決して教訓臭くならない主題選び、自然と物質の関係性という大きな前提、それらをここまで読者に飲み下しやすく書いてくれる作家は稀では無いだろうか。非常に美しい短編集であった。
澁澤龍彦は・・・いやここではいいだろう。澁澤先生はやはり面白い、とだけ記しておく。
で、西尾維新。今現在メチャクチャに話題になっている作家、ということでとりあえず読んでみたかった。現代小説とライトノベルを越境する存在の一人としてユリイカでも一度取り上げられていたし、この前滝本龍彦も読んだので維新も、という感じか。一人の主体が多層的なパラレルワールドを同時進行で生きようとする世界観(多重的な「きみとぼく」という関係性の連続)、読者の視点の位置が常に美少女ゲーム的(やったことないけど)、ひたすらメタメタに展開される物語構造など、まさにポストモダンそのもの。データベース社会。
限りなくフィクショナルなこの世界観が妙にリアリスティックに感じてしまうあたり、非常に同世代だなあ、と感じてしまう。つまりアニメ／マンガ、ゲーム的な背景が当然のものとして共有している世代。西尾維新はぼくの3つ上である。問題意識の中心点なんかを考えると、やはり同時的に出てきた舞城王太郎と近いものがある。まあ舞城の方が個人的にはかなり評価高いんだけど。
最後に佐藤多佳子。この人は去年(今年？)の本屋大賞で1位を掻っ攫った『一瞬の風になれ』の作者で、そういう点で何か一冊読んでおこうかと思った。これを読んで気付いたことがあるのだが、古典的な少女漫画の持つ特有の文学的な潮流は、(現行の少女漫画ではなく)現代小説の方に引き継がれているということだ。最近の少女漫画はセックスの連続性とそこでの肉体的／精神的完結に集中し過ぎている。というかそこが個人的には面白かったりするのだが、ここでその話は必要がないだろう。
話を戻せば、古典的な少女漫画に見られる文学的なビルドゥングス・ロマンは形を変えて、現代小説に遺伝している。それは角田光代や三浦しをんといった女性作家へと正統的に受け継がれ、また上記の西尾維新、そしてライトノベル作家たちは「萌え」という新しいプリズムを通して隔世的にそれを引き継いでいる(事実、「萌え」は古典的少女漫画の逆転的実在である)。僕はこの作品を読んで何となくそれに合点がいったのだ。
実際この作品は結構面白いし、読みがいがある。アホな高校生なんかに読ませるにはうってつけではないだろうか。実質的、もしくは象徴的な「父」の不在という問題に強く焦点を当てたりするとこなんかは非常に現代的だろう。
これらを読んで非常に面白く感じたことが、この中で(僕らにとって)最もリアルな世界は西尾維新の描く、徹底したゲーム的フィクションの中であるということだろう。佐藤多佳子のようなエッジの効いたジュブナイルですら、西尾維新ほどのリアリズムを感じさせない。彼の描く多層的なパラレルワールドの同時進行が最もリアリスティックである、という事実に、僕は東浩紀の言う「ポストモダン」の遍在を感じてしまう。
とりあえず、次はゼミの関係でB.アンダーソンの『想像の共同体』に着手しなければならない。論文が終わり、さらに学祭も重なったりで結構暇が出来、学術的な書物からとにかく一気に離れようという計画のもと、この「現代小説週間」を作ってみたのだが、なかなか楽しめた。考えることも多かったし。まあそれでも次に読む小説は最近出た森見登見彦の『有頂天家族』になるのだろうけど・・・僕はあまりにもベタにこの人の作品にハマってしまっている。
クリスマスが近づくにつれ、街のミューザック環境がどんどん良くなっているように感じる。というか個人的にこの時期は非常に好きなのだが、その大きな要因はどこに行ってもクリスマス・ソングが聴けるということではないだろうか。定番となっているクリスマス・ソングというのはどれもこれも結構良質のポップ・ソングであり(最近の邦楽は除く)、質の悪い有線を流すよりも遥かに良い曲がガンガン流れる。特にスターバックスなんかのミューザック環境はこの時期最高潮で、もうやたらとスターバックスに行ってしまう僕がいるという状況。クリスマス・ソングばっか流れているところで毎日仕事は辛い、と言っている人たちには申し訳ないが(全然申し訳ないと思ってないけど)、とりあえず24、25日まで街が良質な音楽で満たされるだろうことはありがたい。
テーマ:大学生日記 - ジャンル:日記
富樫雅彦について何度か書こうとしたのだが、どうも上手くいかない。現行の音響派に対する、富樫雅彦のアクチュアリティについて書こうと試みてみたものの、やたら長くなりそうな構成をあらかじめ用意してしまったりして、一体これは何回に渡って書くんだ、というような内容になりかねない感じがするものになり、途中で断念した。実際、一つの論文が書けてしまいそうなものになりかけ、とてもじゃないが日記、というか軽くさらっと書き流すような代物ではなくなってしまう。
そもそも僕が間違っていたのは、現行の音響派そのものについて詳細な分析をかまそうとしていたことだ。それには音響派に至るまでの歴史性をパンク／ニューウェーブの文脈、現代音楽／ミニマル〜アンビエントの文脈、さらにフリージャズ〜インプロヴィゼーションの文脈、という三つの流れから統合する、そういった道筋を文章にしたためようという無茶な企みを練ってしまっていたことが問題だ。これでは富樫雅彦でその音響派を読み解くということに至るのに一体いかほどの字数を費やすことになるのだろうか。考えただけで気が遠くなる。
だからここでは富樫雅彦に直接触れて、端的に彼の音楽のアクチュアリティを書き留めてみたい。しかしそれでもなぜ、ここで富樫雅彦と音響派見比べる必要が、というか音響派という音楽的潮流をあげる必要があるのか、それを述べよう。それは音響派、及びポストロックが現行の音楽形態において最も前進的であり、可能なるポスト・ミュージックである、という言い切りにおいて意味がある。つまり最も(音楽の)未来に対する有効性を示しており、なおかつ現行の音楽全体に対する強烈な批評性を持ちえている、そういう音楽である。この点から、巷で持て囃されている「音響派」という狭い括りで完結してしまう音楽のことを、ここでは音響派とは呼ばない。それはエレクトロニック・ポップ／ロック、もしくはジャジーなポップ／ロックというだけでしかない、という致命的な、閉じたコミュニティ的な側面を持っている。そうではなく、音楽そのものに対して常に批判的な姿勢を崩さない音楽をここでは音響派と呼ぶ。
上記の内容を総括できる、という意味で「ポストロック」という名称そのものは重要である。この名称における「ロック」とは、20世紀的な、つまり戦後の音楽におけるパラダイム、「大きな物語」であり、大文字の「音楽」という構造そのものを指していると言い換えることが可能であろう。それを指し示すのに有効な言語がまさに「ロック」であることは歴史を振り返ってみても明白だ。確かに他にも「現代音楽」があり、「ジャズ」があり・・・といった意見を差し挟むこともできるだろうが、それでもインパクトの点において(大衆への影響力において)それらは「ロック」に席を譲らねばならないだろう。その「大きな物語」としての「ロック」を乗り越えること、そこを脱して(言い方は気に食わないが)音楽の「真理」へとさらに接近しようという試みに「ポスト(脱)ロック」という名称を掲げることは大きな意味があり、また簡潔にこういったこと示すのに有効だと思われる。事実、ロックは死に、音楽の「大きな物語」は崩壊している。
つまり、ここで述べられる音響派はそういった可能性を追求する現行の音楽であり、ジャンルを越境した音楽総体である。その現行の音響派に対して、富樫雅彦の活動は、今だからこそ改めて聴き直されるだけの「力」を有している。ここで取り上げる彼の作品は『スピリチュアル・ネイチャー』、『ソング・フォー・マイセルフ』、『リングス』の三枚に絞る。前者二枚はレコード買えば(今なら)比較的安価で手に入るという点でも、ここで挙げる意味がある。聴けない、レアなものを挙げたところで根本的にはあまり意味が無い、という私見に因るものだけれど。
『スピリチュアル・ネイチャー』、『ソング・フォー・マイセルフ』の二つは他者との音楽的コミュニケーションを通して、音の深層そのもの、音が構成する空間と、音の組み合わせの多彩性によって演奏者という主体における「不可知な音」の探求を試みた作品である(『ソング〜』にはソロが一曲だけ入っているが)。
特にバンド(オーケストラ)形態をとった『スピリチュアル・ネイチャー』は、他の大所帯系演奏とは異なった、どこか独特の感覚を引き起こす。基本的にバンド演奏というものは演奏者全員の出す音をアトム化することによって、一つの音楽を聴衆に提示するものだ。が、この作品は決して音をアトム化しない。それぞれの個として音が独立し、それが相互補完と分裂とを絶えず繰り返す、つまり付かず離れずという奇妙な浮遊感とでも言えばいいのだろうか、、そういったものを維持しながら一つの楽曲を構成してしまう、という離れ業をやってのけている。これはそこまでバンド演奏が一つの前提として(程度に差はあるものの)「音のアトム化」を置いてきたという事実を、あっさりと覆してしまった。逆に音楽そのものを解体することによってバンド演奏、並びに楽曲を成立させてしまっている。これはカンパニー諸派による「フリー・インプロヴィゼーション」の理念に近い。音の解体によって、音を構成する。私見ではニュー／ノーウェーブの一連の流れにおいてもこれは実践されてきたことであると考えている。
そしてソロアルバムである『リングス』において、このバンド形態でやった「音の解体」ということをソロ・パーカッションでやりのけてしまっている。ここでその試みは更なる深みに到達しており、現代音楽並びにミニマル、アンビエントの可能性すら飲み込んで、音楽を前進させる。ソロという状況下において音の解体に向かうということは、つまりその演奏する楽器の解体、そして身体の解体へと向かうことになる。楽器演奏におけるパターンそのものを解体して、音の響きや音の作り、身体の流れそのものに視点を集中する。ドラムという身体はそこでバラバラになり、状況的な面ではバンド演奏との近似性を持つ。相違点は、各演奏者という異なった主体による相互関係上のものではなく、「私」の「私」によるものだということだ。つまり自己の深層へと向かうものであり、それは瞑想的でもある。
この作品の強烈さは、そのたった一人という状況下において、『ソング〜』、『スピリチュアル〜』の延長線上で、ライヒ的なポリフォニーの形成と解体／分裂を進行させつつ、ケージ〜イーノにおける聴覚への直接的なアプローチを行なっているという事実である。レコード二枚に渡って、徐々に楽曲を構成する音の要素を増加させつつ、また同時進行で構成音を減らしていくことによって、聴衆を独特の浮遊空間へ放り込む。そして『ディスクリート・ミュージック』以降のイーノがアンビエントで標榜した「聴いていてもいなくてもいい／しかし音は鳴り続け、存在している」という状態生み出すことによる、聴覚そのものの機能を増幅させる、音楽装置なるものの理念さえ飲み込んでいる。ケージ〜イーノの消極的な音楽装置との決定的な違いは、その音を聴くこと自体に強い意味を持たせている点であり、この積極性に僕は非常に惹かれる。
僕が音響派だと考えている音楽の大きな共通点の一つに、MP3圧縮への強力なアンチズムがある。音を圧縮してハードディスクに放り込み、その作品性を無視しての聴衆による無情なる解体は、音楽を聴くことへの否定的なイメージしか僕には喚起しない。音を劣化させ、個人という閉じた存在にのみはたらく孤独なミューザックを創造しようということには、どうにも賛成できない。そのカウンター・カルチャーとして、音そのものへの可能性を追求し、作品全体としての有意味性を持たせ、音を安価なものしてしまわないということは、音楽にとって重要な点であると僕個人は考えている。その点において、富樫雅彦の音楽は非常にアクチュアルであり、死なない音楽なのではないかと思う。
どうもまとまりの無いものになってしまった(いつもだけど)。書くと決めたからには書く、という心持ちで挑んだだけに、考えも中途半端な感がある。そもそも僕自身がMP3そのものに徹底した嫌悪感があるわけではない、という事実も引っ掛かっているのではないかと思う。つまりMP3の可能性は閉じているわけではないという考え。ただ問題はそのMP3という音質／再生レベルで鳴らされるべきでは無い音楽ばかりが、実際流されているという事実。また、MP3圧縮したものをオーディオ機器に繋いでスピーカーから流すというひどい大間違いを平気でやる人間が多いという事実。こういった点から僕のMP3に対する嫌悪感は生まれているのでは無いか。つまりMP3にはMP3のためのもっとオルタナティブな音楽形態を創出するべきである。それに関する明確な意見というものはまだ無いのだが、とりあえず現在の(MP3の)悪状況を解決しないと人間の聴覚は(質的な問題で)どんどん劣化していくのでは無いだろうか。それはあたかも出来の悪いロックバンドのライブ演奏を観に行くかのような感じで。
テーマ:大学生日記 - ジャンル:日記
日記のタイトルがかなりわけ分からんことになってるけれど、まあこれは全日記のタイトルを「批評宣言」で括らねばならない、という条件を自分で勝手に作ってしまったのがいけないだけで、まあ早い話がディスクール(卒論、「卒業」はしないけど)をついに脱稿したぜ、という話である。12,000字と言う過去最大の敵に向かって果敢に立ち向かった(つもり)だったが、気合とテンションで一気に書き切った、という点ではいつものレポートと大して変わらない。まあ所要時間、及びテンションの高さと参考文献の量は過去最大だったけど。ああ、あと疲労の大きさも。
しかし論文を書いたときのテンションは凄かった、と今思い出しても感じる。テーマが柄谷行人だったから、柄谷行人が乗り移ったのだろうか(柄谷は何を書くときもやたらと気合が入りまくりで、たまに椅子から立って書くらしい)。
金曜の夜にいくらか書く気でパソコンを立ち上げたが、何か頭の中がごちゃごちゃしていてどうにも書けそうに無かったから、もういいやと思ってその日はあっさり早寝した。そしたら次の日の8時ごろに目が覚めた瞬間、異常に頭が冴えまくってて書くことが凄い勢いで浮かんできたので、顔洗ってすぐにパソコンを立ち上げてそのまま飲まず食わずで8時間ぶっ通しで論文を書き続けて完成、という怒涛の展開。興奮状態が収まらず、普段は食わないが何故か家にあったスナック菓子を一袋平らげてなんとかある程度冷静になった。まあできた論文は所詮お粗末なものだが、とりあえず論文という呪縛、柄谷行人という呪縛からは解き放たれた気がする。いや、実際論文を書くって行為は今まで貯めに貯めてたものを一気に排泄する感じに近い(表現が多少下品だが)。
まあ、そのあと院生と論文構成とか文章、内容について検討して、まあ大方完成。とりあえず15日の締め切りには第一稿が出せるだろう。ゼミの先生にはまだ見せてないが(なんせ書き始めがギリギリ過ぎたので)、どうせ「できました」と論文を持っていっても「本になった(「法と政治のディスクール」に載った)やつを見るから、今は読まない」と言われるというオチなのだろうが。そういうわけで(多分)「法と政治のディスクール」2007年度版に載るだろうから、(大学で無料配布しているので)これを読んでもらうためにみんなに配ろうか、などと考えたりもするのだが、よく考えればあんな穴だらけの論文を読ませるのは自分の恥を晒すようなものじゃないのか、という理性が働く。つまり自分に対する羞恥プレイを強要するマゾヒスティックな感性と、それを抑止する理性が僕の中でせめぎ合っているわけだ。
しかし問題は「これ、どの辺が「政治的」なんですか？」というつっ込みが第一稿の審査で出ないかどうかが心配ではある。一応政治との関係性、というか政治学上の論文ではないと意味が無いので(法学部政治学科的に)、一応政治学(政治哲学)に絡ませてはいるけれど、やっぱ他の人の論文とは毛色が違い過ぎるから・・・。大丈夫だとは思うが。
そういえば今日、上記の院生との論文検討があったのだけれど、そのときに僕が1、2回ほど参加した政治学勉強会の主催者の一人だった(今現在もだが)院生もたまたま一緒で、大学卒業したらどうするのか聞かれた。「あ〜一応就活するよ」と答えたら、「止めなよ〜、就職なんて君無理だから。似合わないから。大学院来なよ」となんとも暴言とも取れる誘いを受けた。その上駄目押しのように「君、勉強会でかなり評価高いよ。院に行った方が良いって」と、よりによって女性(同い年)に褒められてしまったので、こういうのにあっさり乗せられてしまう僕は、一瞬その甘い誘いに乗りたくなってしまった。冷静に考えれば大学院進学は面倒臭そうなのでやはり嫌なのだが(ちなみに就職も面倒臭そうだが)。そもそも単位足らずで来年も4回生の人間が、大学院で頑張れるとも思えないし。
論文が仮完成した次の日に京都近代美術館に「カルロ・ザウリ展｣を観に行った。イタリアの現代陶芸家(2002年に亡くなった)なんだが、非常に面白い。静的なもので動的な表現をしようとしていて、それがなんともグロテスクでエロティック。外部と内部、表層と深層、物質と自然、という対比を狙っていると思われる展示した側の狙いにも乗っかりながら結構楽しめた。陶芸ならではのダイナミズムも良かった。
しかし、よく考えれば岡崎公園周辺に行ったのが初めてで、あの周辺にああいうどかーんと開けた場所があることを知らなかった。人工的ではあるけれど、それなりに緑に囲まれていて気持ち良い場所だと思った。
美術館帰りにレコード屋に寄って、何枚か買った。そしてついに富樫雅彦の『RINGS』を購入。いや、マジで凄いよ、これは。本当にパーカッションのみによる音響への限りない挑戦というか、音響そのものへの挑戦というか、本当に良い。こういうの聴かないから最近のドラム叩いてるやつとか、パーカッショニストとかはアホばっかなんじゃないか。「グルーヴィーな」とか口八丁で言い出す前に根本的に考え直すべきだろう、楽器のことを。これ聴いてから。とりあえずブツは手に入ったので、そのうち富樫さんについて(今度こそ)書く。
テーマ:大学生日記 - ジャンル:日記
前回に続きこのいい加減なタイトルでここ最近にあったことを羅列していく。正直テーマを一つに絞って書きたいのだが、何か論文とか論文とか論文とか(論文だけだが)が意識の端っこに引っ掛かってきて、定期的にこれを書くことを控えてしまうのだ。実際一つのテーマに絞って日記を書かないと、内容がそれこそ物事の表層をサラッとかすめるだけの(個人的に)退屈なものになってしまう。まあどうせ論文の提出期限は11月15日というもう正にすぐそこという感じで、それに間に合おうが間に合わなかろうがそこで打ち止めなので、そんなに存在自体は鬱陶しくなくなってきたけれど。問題は果たして自分は何を書こうとしているのかがますます分からなくなってきた、及び柄谷行人は本格的に何言ってるのか分からなくなってきたというかなり困難な事実だ。書いてる本人がよく分からん論文を他人が読んでも分かるはずがないのだが、まあやるだけやろうじゃないか。
じゃあここからここのところのログ(記録)を付けていこう。まずは最近見た映画から。『長江哀歌』と『サイボーグでも大丈夫』の2本をここ2週間ほどの期間に観に行った。『長江哀歌』は非常に良い作品だった。というかここ最近観た映画の中ではダントツでは無いかと思う。まあそれだけハズレ、もしくはそこそこのものしか観てなかった、というだけだが。だが、優れた映画の感想を述べるのはかなり難しい。文章力及びボキャブラリーが徹底して不足しているから、という理由で。自分の中で渦巻いている感性を上手く言語化できない、言語化できるレベルを作品が軽々と超えている、というか。しかし本当に良い作品だった。現代中国そのものを語りながら、その背景にある歴史性を常にその鏡像として映し続ける、そうやって物語を進行させていく。携帯電話が、着メロが、崩れるビルディングとダムに沈む町並みが、手品と音楽が、中国という事象を知らない僕に中国について語りかける。崩壊と変化のスピードの急激さがその画面上ではあまりに緩慢にしか映らないのは、そこが中国だからだ、という事実を。
もう一つ、「映画の日」にお得だから観に行ったのが『サイボーグでも大丈夫』。謳い文句は｢韓国版アメリ｣。しかし『アメリ』よりもかなりビター。というかあまり比較になっていないような。そもそもバールもエスプレッソもクレーム・ブリュレも登場しないし、こちらの方がかなりリアリズムに拠っているという感じがする。まあ撮った監督の違いか。観ながら思ったのが、これは日本のアニメーションの正に実写版だ、と。というかこれはもう日本のアニメがここ数年のうちにやってきたことじゃないか、と。謳い文句は｢韓国版kanon」もしくは「韓国版Air」にでもすればもう少し近似さが出るのではないか。まあそんなもの出したところで集まる客が限定されるだけで宣伝にはならないのだが。
しかし本当にこの映画はkey原作の美少女ゲームを京都アニメーションがアニメ化したものに近い。かなりおかしい、俗に言う電波入ってる女の子を見守りながらも恋愛を成就させていくという内容。映画とアニメの決定的な違いが舞台と結末。映画の方はリアリズムに拠り(アメリとの比較も含めてこの映画はかなりリアリズムに拠っている。「親近性の高いファンタジー」とは似ても似つかない)、アニメは大きくリアリズムと乖離する。東浩紀はこの乖離がアクロバティックな逆転を外部で引き起こし、その外部にリアリズムを引き起こすと言っているが、まあそれはここでは置いとこう。
映画の舞台は精神病院であり、アニメはごく普通の日常。この精神病院ということが重要だ(比較の上で)。アニメも映画もヒロイン(達)はトラウマとなる何かを必ず過去及び現代に背負っており、どう考えても普通に生活するのには不都合なのだ。ある意味彼女らはシャーマンに近い。つまりアニメの方は設定の時点で現実ではコケているのだが、その病み具合及び壊れ具合、ズレ具合に僕らは「萌え」るので仕方がない。逆に映画のヒロインには中盤あたりまで全く「萌え」ない(というか中盤以降からは「萌え」てしまうのだが)。
また結末は・・・ああこれ書くべきか？一応この日記読んでいる人もいるみたいだし、ネタバレになりかねないのだが・・・まあどっちでもいいか。結末ついて、映画は精神病者同士の｢共依存」による「浄化」がなされ(斉藤環は｢共依存」は危険だ、言っていたが)、恋の成就と精神病からの開放が成し遂げられると言うハッピーエンドに終わる。そしてアニメはひたすら男性側の不能性の強調と抑圧を強いられ、ヒロインは死ぬ及びいなくなるという結末。ヒロインの死及び消失そのものにはストーリー上無意味さすら感じられるが、そこを使うことによって視聴者を｢泣き｣に誘いこむのがkey原作のゲームが「泣きゲー」と呼ばれる所以である。しかしこちらも決してバッドエンドというわけではなく(じゃないと視聴者は泣けない)、そこでの一定の「正しさ」というのが提示される。
こういった違いはあるものの、やはり共通点の方が観ていると目に付いてしまう。電波少女との恋という点以外に、両方の作品の最大の背景及びテーマが共通している。「家族」である。あの精神分析家からオタクまでが大好きな「家族」である。常にそれが作品を覆っている。こういったところから、『サイボーグでも大丈夫』は『アメリ』みたいな映画が大好物の乙女達以外にも、『Air』や『kanon』が大好物のオタクどもも観に行けばいいと思う。きっと映画館で面白い絵が見れると思うから。
何か映画のことを書いただけでお腹が一杯になってしまった(計画倒れ)。というかやはり僕はそこそこレベルの映画に対してはえらく饒舌なようだ。いや〜なんというか、非常にダメな感じがする。B級街道まっしぐらだな、このままだと。そういえば『サイボーグでも大丈夫』の終盤で一つ離れた席に座っている女の子が感動で涙していた。そしてそれを偶然目にして僕は何となく興奮してしまった。これはたまらんなあ(サディスティックな意味で)、と。こんな映画の観方をしている僕はロクでもない。
この前ハックルベリーで買ったニーナ・シモンズの『ボルチモア』がメチャクチャに良い。この抑圧されているように感じるファンクさがたまらない。そしてドスの効いたボーカル。これはかなり良い。同じく買ったマイルスの『バグズ・グルーブ』も絶品。というかこれはマイルスが好きなだけかも知れないが。しかしディスクユニオンでアホみたいに買ったレコードが全然聴き切れない。そして安いものを大量購入するのはやはり良くない。聴いていくことが若干作業的になるし、一枚の重みも減る。後々に再聴して感動するのかもしれないが、すべてのレコードにそれを課すのは間抜けすぎる。浮かれてバカみたいに買うのも楽しいが、それは「買う」という行為の快楽に溺れ過ぎて、聴くことの快楽性を軽視し過ぎるという結果に終わりかねない。こういったことをよく考え直さないと僕は僕自身の音楽に対する姿勢に疑問を持たざるを得なくなってしまう。
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